Origin - Palermo Edition | Artisti: Nikita Zigura

Origin - Palermo Edition | Artisti: Nikita Zigura

"Monumenti di Nikita Zigura - Ecosistemi, Arte e Sopravvivenza Umana"

Il corpo di lavoro di Nikita Zigura presenta una intricata collezione di temi culturali, storici e psicologici che invitano il pubblico a esplorare molteplici livelli dell'esistenza umana, facendo riferimento al passato, alla contemplazione del presente e alle visioni e speranze per il futuro. Attingendo a una serie di influenze - dagli ideali estetici e morali dell'Antichità Classica alle complessità dell'individualità moderna - le sue sculture fungono da punto di convergenza per domande senza tempo e riflessioni contemporanee. Che abbraccino la grandiosità dell'arte greca antica in opere come "Golden Age" o catturino l'essenza effimera della vita moderna in pezzi come "Southern Night", Zigura offre esami sfumati di identità collettive e personali, che esploreremo brevemente nel testo qui di seguito. Scopriremo che l'arte di Nikita Zigura funziona come un portale, aprendo dialoghi che attraversano periodi storici, discorsi accademici e costumi sociali. Ogni opera, pur radicata in sottotoni tematici specifici, supera i propri confini per toccare verità universali e questioni esistenziali, spingendo gli spettatori a impegnarsi in una comprensione più profonda del mondo e degli ambienti sfumati che ne plasmano l'esistenza.

Mentre si rifletteva su un titolo che potesse descrivere accuratamente le opere di Zigura, la curatrice si è indirizzata verso chiamarlo "Monumenti di Zigura: un Monolito della Nostra Odissea Verso una Riconsiderazione Esistenziale." Questo è appropriato dato che una delle opere più sorprendenti esposte nella mostra "Origin(s): A Sky-Blue Horizon" è il "Golden Age" di Zigura.

La superficie della colonna, sebbene apparentemente in marmo, svela l'idea dello spreco. Una breccia è riempita da acciaio inossidabile lucidato che riflette l'ambiente circostante come uno specchio, implicando gli spettatori come partecipanti in un'epoca sull'orlo del disastro ecologico. Questo acciaio lucidato funge non solo da superficie riflettente, ma agisce come una metafora inquietante per la politica estrattivista. Le risorse naturali spesso vengono saccheggiate senza considerazione per le conseguenze ambientali a lungo termine, risultando in terre bruciate, corsi d'acqua contaminati e un pianeta che si riscalda - questioni spesso trascurate nel dibattito globale.

Approfondendo il tema delle immagini femminili, "Southern Night" incarna un tema distinto di energia femminile che risuona attraverso il tempo, la cultura e le espressioni artistiche. Esplora il mondo interiore dell'individuo, trae ispirazione da scultori moderni come Konstantin Brancusi. Mescolando la saggezza antica e le sensibilità moderne, entrambi i pezzi superano idee vaghe, luoghi comuni e valori dubbi, sostenendo invece una comprensione più profonda e sfumata di sé e una visione della vita. Questa figura funge da potente simbolo, abbracciando una vasta gamma di ansie e desideri culturali e servendo sia come indicatore di spostamenti socioeconomici che come archetipo quasi mitico. La rappresentazione delle donne e delle loro diverse forme rimane un oggetto di studio oggi, sebbene curiosamente poco esaminato nei circoli accademici. La dettagliata rappresentazione dell'individuo in "Southern Night", oscurato dall'oscurità ma illuminato da un bagliore celestiale, potrebbe evocare una serie simile di risposte sfumate.

"D'altro canto, "Awakening" si basa chiaramente sugli ideali estetici e morali del patrimonio occidentale canonico per esplorare la ricerca dell'umanità di autoconoscenza e valori spirituali, concentrandosi sulle figure fondamentali dell'Antichità Classica come base per lo sviluppo umano contemporaneo.

Con questo, "Awakening" e "Southern Night", sebbene contrastino nel linguaggio formale, offrono esplorazioni stratificate e multidimensionali dell'esistenza umana, attingendo a una serie di influenze - dagli ideali greci classici alle figure ambigue che popolano i paesaggi culturali dei secoli XIX e XX. Ci sfidano a considerare come gli ideali storici e le questioni contemporanee possano essere armoniosamente integrati per creare opere d'arte che siano allo stesso tempo profondamente riflessive e immediatamente coinvolgenti.

Tuttavia, tornando ancora una volta al titolo di questo testo che paragona i "Monumenti di Nikita Zigura" a un "Monolite della Nostra Odissea Verso una Riconsiderazione Esistenziale". Indubbiamente guidato dalle qualità estetiche e formali del "Golden Age", accompagnato dalle contemplazioni dell'artista sulle questioni esistenziali che l'umanità sta affrontando, quest'opera, insieme ai temi affrontati dalle altre opere della collezione presentata a "Origin(s): A Sky-Blue Horizon", evoca confronti con l'iconico monolite dal film "2001: Odissea nello Spazio" del 1968 di Stanley Kubrick.

Come concetto composito, il Monolito di Kubrick rappresenta una serie di quadri concettuali che Zigura ha svelato all'interno del suo lavoro in mostra. Proprio come gli enigmatici monoliti neri nel film servono da catalizzatori per l'evoluzione e il cambiamento, costringendo gli esseri umani a confrontarsi e a interrogarsi sulla loro esistenza e sul loro scopo, la scultura "Golden Age" può essere vista come un monolito terrestre che ci spinge verso una riflessione ecologica e un'evoluzione di noi stessi. Nell'universo cinematografico di Kubrick, i monoliti appaiono in momenti cruciali della storia umana e pre-umana, offrendo una guida enigmatica e fungendo da punti di riferimento per salti evolutivi. Allo stesso modo, il corpo di lavoro, con i suoi elementi unificanti e contrastanti presentati nella mostra, emerge in un momento urgente della nostra storia ecologica. Insieme, rappresentano un checkpoint evolutivo simbolico, chiedendoci di riflettere - letteralmente - sul nostro cammino finora e sui cambiamenti etici ed ecologici che dobbiamo abbracciare per il bene del futuro del nostro pianeta.

Il monolito in "2001: Odissea nello Spazio" è famosamente inscrutabile, una superficie su cui i personaggi e gli spettatori proiettano le loro domande, paure e speranze. Alcuni aspetti del lavoro di Zigura svolgono una funzione simile - superfici riflettenti del "Golden Age", che interagiscono con la loro materialità; tessuto avvolto attorno alla scultura di una Madre archetipica; la rappresentazione iconografica familiare ma inquietante dell'Antichità - tutti invitano il pubblico a confrontarsi con il proprio ruolo nella storia della Terra. Questa esperienza, simile agli incontri trasformativi dei personaggi con il monolito nel film di Kubrick, ha il potenziale per innescare un cambiamento cognitivo. È un momento di rendiconto in cui dobbiamo mettere in discussione la sostenibilità del nostro attuale "Golden Age" e del nostro "Awakening" durante i 365 giorni in cui assistiamo alla guerra che infuria in un paese vicino.

Con tutto quanto sopra menzionato, il "monolito" di opere di Zigura, proprio come i monoliti nel film, funge da entità archiviale. I monoliti conservano informazioni su tutta la storia cosmica, mentre il corpo di lavoro di Zigura archivia i valori dell'età attuale, riflettendo le nostre attitudini nei confronti delle questioni socio-politiche e planetarie interconnesse e globali - spreco, estrazione e responsabilità ambientale.

Insieme, queste prospettive servono a approfondire la nostra comprensione dell'impatto umano sul pianeta, sull'esistenza reciproca nell'ambiente condiviso e sul tributo ecologico alla sofferenza umana immediata e alle costruzioni mentali che consentono la sopravvivenza e la resistenza. Pertanto, le opere selezionate possono essere considerate come il nostro monolite terrestre - uno specchio per l'umanità in questo momento precario della nostra odissea ecologica e socio-politica, che ci spinge a compiere il passo evolutivo di allineare il nostro progresso tecnologico con un'agenda e un'etica sostenibili. Come i monoliti del film, esso richiede una trasformazione, ma questa volta la trasformazione è quella di una coscienza collettiva, sia morale che ecologica, accompagnata da un cambiamento che è disperatamente necessario mentre tracciamo il nostro percorso attraverso l'Antropocene.

 

 

_____ENG______

"Nikita Zigura’s Monuments – Ecosystems, Art, and Human Survival."

Nikita Zigura's body of work presents an intricate collection of cultural, historical, and psychological themes that invite audiences to explore multiple layers of human existence, with reference to the past, contemplations on the present, and visions as well as hopes for the future. Drawing upon an array of influences—from the aesthetic and moral ideals of Classical Antiquity to the complexities of modern individuality—his sculptures serve as a convergence point for timeless questions and contemporary reflections. Whether embracing the grandeur of ancient Greek art in works like "Golden Age" or “Awakening” capturing the ephemeral essence of modern life in pieces like "Southern Night," Zigura offers nuanced examinations of both collective and personal identities, which we will briefly explore in the text below. We will discover that Nikita Zigura’s art functions as a gateway, opening up dialogues that traverse time periods, academic discourse, and social mores. Each piece, while rooted in specific thematic undertones, transcends its own boundaries to touch upon universal truths and existential queries, compelling viewers to engage in a deeper understanding of the world and the nuanced environments that shape their existence.

While pondering a title that would accurately describe Zigura’s work, one curator leaned toward calling it "Zigura’s Monuments: A Monolith of Our Odyssey Toward Existential Reckoning." This is fitting given that one of the most eye-catching pieces displayed in the "Origin(s): A Sky-Blue Horizon" exhibition is Zigura’s "Golden Age."

The surface of the column, though appearing as marble, unveils the notion of waste. A breach is filled with polished stainless steel that reflects its surroundings like a mirror, implicating viewers as participants in an age on the brink of ecological ruin. This polished steel serves as more than just a reflective surface; it acts as a haunting metaphor for extractive politics. Natural resources are often plundered without consideration for long-term environmental impacts, resulting in scorched lands, contaminated waterways, and a warming planet—issues often sidelined in global discourse.

Moreover, the subject of existential risk for the environment and communities on a planetary scale, as well as the interconnectedness between political decisions on the global arena and the consequences of failing diplomacy, invasive wars, and geopolitical crises, are evidently covered by Zigura’s sculpture "365 Days." The piece powerfully captures the human toll of the Russian invasion and the displacement of humans bearing refugee status due to the war. Comprising a figure of Maria holding a child, it underscores the immediacy of human suffering and the existential urgency to extend life. Covered in clothes, the piece evokes both a reference to cooperation in supporting people during moments of crisis and a demonstration of the reality and tangibility of pain that is very real and is covered with the fabric of life. The combination of the white statue with the soft wrapping of material brings the piece to life in the very direct sense—we recognize the absence of the boundary between art and life, the clothes that humans wear, and the necessity for clothing and shelter that people require to simply survive. The sculpture delves into time-honored themes of motherhood and the continuity of life, depicting them through a Baroque composition. However, the sculptures core is in stark contrast with the sculpture's actual materials—utilitarian objects—which echo the urgent, day-to-day needs of millions of refugees who have had to leave their homes due to the war.

The image of the mother symbolically denotes a reference to the land—birthing food, holding homes, and allowing resources to live and flourish. Within this context, Russia's ongoing war against Ukraine is a human tragedy and an environmental catastrophe not only (while primarily) for Ukraine but for the planetary community where ecosystems that we depend upon are interconnected. Undoubtedly, the war's devastating ecological footprint is grimly evident in Ukraine's transformation into one of the most heavily mined regions on Earth. These mines kill indiscriminately, taking the lives of not just humans but also the fundamentals of life—air, water, and soil.

At the same time, the war has also birthed new ways to think about existence and resilience under the harsh conditions of a conflict zone. The concept of "re-existence," borrowed from Adolfo Albán Achinte, encourages us to ponder the possibility of life—in all its human and non-human forms—enduring in the ruins of war. Many Ukrainians have been trapped in this violent reality for nine years; their daily lives are a testament to resistance and survival. Even while the conflict continues, the work of imagining a post-war Ukraine, rooted in environmental justice and decolonial imaginaries, has already begun.

Furthering the theme of feminized imagery, "Southern Night" embodies a distinct theme of female energy that reverberates across time, culture, and artistic expressions. It delves into the internal world of the individual, drawing inspiration from modern sculptors like Konstantin Brancusi. In blending ancient wisdom and modern sensibilities, both pieces transcend vague ideas, clichés, and dubious values, advocating instead for a deeper, more nuanced self-understanding and outlook on life. This figure serves as a potent symbol, encompassing a wide range of cultural anxieties and desires and serving both as an indicator of socioeconomic shifts and as a nearly mythical archetype. The representation of women and their various forms remains a subject of study today, though curiously underexamined in scholarly circles. The detailed portrayal of the individual in "Southern Night," obscured by darkness yet illuminated by celestial glow, might evoke a similar set of nuanced responses.

"Awakening," on the other hand, clearly leans on the aesthetic and moral ideals of canonical Western heritage to explore humankind's quest for self-knowledge and spiritual values, focusing on the foundational figures of Classical Antiquity as the groundwork for contemporary human development.

With this, "Awakening" and "Southern Night," while contrasting in formal language, offer layered, multidimensional explorations of human existence, pulling from an array of influences—from Classical Greek ideals to the ambiguous figures that populate the cultural landscapes of the nineteenth and twentieth centuries. They challenge us to consider how historical ideals and contemporary questions can be harmoniously integrated to create artworks that are both deeply reflective and instantly compelling.

However, let us return once again to the provisional title for this text that compares Nikita Zigura's Monument(s) to a Monolith of Our Odyssey Toward Existential Reckoning. Undoubtedly driven by the aesthetic and formal qualities of the "Golden Age," accompanied by the artist's contemplations on existential issues that humanity is facing, this work, along with the themes covered by the other works in the collection presented at Origin(s): A Sky-Blue Horizon, evokes comparisons with the iconic monolith from Stanley Kubrick's 1968 film "2001: A Space Odyssey."

As a composite concept, Kubrick's Monolith represents an array of conceptual frameworks that Zigura has unraveled within the scope of his work on display. Just as the enigmatic black monoliths in the film serve as catalysts for evolution and change, forcing humans to confront and question their existence and purpose, the "Golden Age" sculpture can be viewed as an earthly monolith urging us toward ecological self-examination and evolution.

In Kubrick's cinematic universe, the monoliths appear at crucial junctures of human and pre-human history, offering enigmatic guidance and serving as benchmarks for evolutionary leaps. Similarly, the body of work, with its unifying and contrasting elements presented at the show, emerges at an urgent moment in our ecological history. Together, they represent a symbolic evolutionary checkpoint, asking us to reflect—quite literally—on our path thus far and the ethical and ecological changes we need to embrace for the sake of our planet's future.

The monolith in "2001: A Space Odyssey" is famously inscrutable, a surface onto which characters and viewers alike project their questions, fears, and hopes. Certain aspects of Zigura's work perform a similar function—reflective surfaces of the "Golden Age," engaging with its materiality; fabric wrapped around the sculpture of an archetypal Mother; the familiar yet uncanny iconographic representation of Antiquity—all of them invite the audience to confront their own roles in Earth's history. This experience, akin to the transformative encounters characters have with the monolith in Kubrick's film, has the potential to instigate a cognitive shift. It's a moment of reckoning where we must question the sustainability of our current 'Golden Age' and "Awakening" throughout the 365 passing days of witnessing war raging in a neighboring country.

With all of the aforementioned, Zigura's "monolith" of works, just as the monolith in the film, serves as archival entities. The monoliths store information about all cosmic history, while Zigura's body of work archives our current age's values, reflecting our attitudes toward interconnected and global socio-political and planetary issues—waste, extraction, and environmental responsibility.

Together, these perspectives serve to deepen our understanding of the human impact on the planet, on each other's existence in the shared world, and on the ecological toll to the immediate human suffering and the mental constructs that allow for survival and resistance. Thus, selected pieces can be seen as our own terrestrial monolith—a mirror for humanity at this precarious moment in our ecological and socio-political odyssey, urging us to take the evolutionary step of aligning our technological progress with sustainable agendas and ethics. Like the film's monoliths, it calls for a transformation, but this time the transformation is one of collective consciousness, both moral and ecological, accompanied by a shift that is desperately needed as we chart our course through the Anthropocene.